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나가 Naga

(범) 인도 고유의 신앙에서 형성된 뱀신 (蛇神). 일반적으로 용(龍)이라 번역된다. 여신(女神)은 나기라고 한다. 인도의 원주민 사이에서 널리 숭배되었고, 그 신앙은 아리아 인의 종교에도 받아들여졌으며, 불교. 힌두교. 자이나교 등에서도 여러 형태로 등장한다. 머리 뒤에는 용개(龍蓋)를 가지고 있으며 상반신은 인간, 하반신은 뱀의 모습으로 나타난다. 머리의 수는 나가의 경우 일곱 개 또는 다섯 개가 많고, 나기의 경우는 거의 한 개이다. 발 푸트나 산치 등 불교 미술의 가장 초기부터 표현된 예가 있고, 아잔타 제19굴의 용왕상은 그 백미이다. 불교에서 말하는 팔부(八部) 가운데 하나이다. 기원전 2세기의 바르후트 난순탑문(欄楯塔門) 이래 불교 조각에서 화려한 모습을 보이고 있다. 데오가르. 바다미. 마하마리프람 등의 조각 에서 표현된, 비슈누를 태운 그림, 코나라크에 있는 나가와 나기의 하반신이 서로 얽혀 있는 미투나의 그림 등이 대표적으로 알려져 있다.

 

나이브 아트 Naive Art(영)

미술사에서의 어떤 유파를 가리키는 말이 아니라, 일부 작가의 작품 경향을 말할 때 쓴다. ' 나이브'라는 용어는 '자생적으로 획득된 ' 이란 의미의 라틴어에서 파생되었다. 따라서 전형 적인 나이브 미술가는 당연히 타고난 재능이 있고, 작품은 어린이와 같은 순진무구함과 자 연스럽고 꾸밈이 없는 특질을 지닌다. . 이러한 특질과 이국적이고 원시적인 미술에 대한 취향을 포함하고 있는 좋은 예가 두아니 에 루소이다. 나이브 미술가들은 원근법을 무시하며, 구상적인 주제를 다루고 그림은 작고 단조로우며 장식적이다. 잘 알려진 나이브 예술가로는 앙드레 보샹, 까미유 봄브와, 에드워 드 힉스, 모리스 허쉬필드, 앙리 루소, 루이 비방, 알프레드 윌리스 등이 있다. 고의적으로 나이브한 과슈 방식을 채택한 전문 화가들로는 마르크 샤갈, 데이비드 호크니, 로우리, 벤 샨, 크리스토퍼 우드 등이 있다.

 

나이브 아트(Naive Art)

미술사에서의 어떤 유파를 가리키는 말이 아니라, 일부 작가의 작품 경향을 말할 때 쓴다. ' 나이브'라는 용어는 '자생적으로 획득된'이란 의미의 라틴 어에서 파생되었다. 따라서 전형 적인 나이브 미술가는 당연히 타고난 재능이 있고, 작품은 어린이와 같은 순진 무구함과 자 연스럽고 꾸밈없는 특질을 지닌다. 이러한 특질과 이국적이고 원시적인 미술에 대한 취향을 포함하고 있는 좋은 예가 두아니에 루소(Douanien Rousseau)이다. 나이브 미술가들은 원근 법을 무시하며, 구상적인 주제를 다루고 그림은 작고 단조로우며 장식적이다. 잘 알려진 나 이브 예술가로는 앙드레 보샹, 까미유 봄브와, 에드워드 힉스, 모리스 허쉬필드, 앙리 루소, 루이 비방, 알프레드 윌리스 등이 있다. 고의적으로 나이브한 과슈 방식을 채택한 전문 화가 들로는 마르크 샤갈, 데이비드 호크니, 로우리, 벤샨, 크리스토퍼 우드 등이 있다.

 

나체화(nude)

인간 또는 신, 악마 등의 인간적인 모습을 나체로 표현한 회화. 자연의 대상물 중에서 가장 자아에 가까운 존재로서의 인체에 대한 아름다움을 표현하기 위하여 옛날부터 그려져왔다. 민족·풍습·시대에 따라 그 성립과 양식이 다르지만 나체의 미묘한 선이나 면, 각 부분간 의 비례, 피부의 색조 변화, 육체의 양감 등의 미적 요소를 통일하여 유기적 생명을 표출하 는 것을 특징으로 한다. 고대에서는 그리스 시대나 르네상스 시대에 나체 표현이 존중되었 으며, 특히 인상주의 이후 나체를 다룬 회화들이 많이 그려지고 있다.

 

나치예술(Nazi Art)

1970년대 제3독일 제국 예술에 대한 관심으로 새롭게 등장한 예술운동. 이들 가운데는 향수 에 젖거나 파시즘에 대한 동조에서 나온 나치 훈장 수집가들이 있고, 다른 한편으로는 나치 예술을 일반 예술사 속에 정착시키려는 예술사가들이 있다. 또한 나치 예술의 무비판적인 부흥을 미리 막기 위하여 나치 예술을 전시하려는 네오 막시스트들도 있다. 이들은 파시즘 의 현대적 부활에 반대하여 파시즘의 이데올로기를 폭로하고자 한다. 대부분의 나치 예술 전시회는 이러한 목적에서 기획되었다. 그 예로 1974년부터 19765년까지 독일을 순회한 '제 3독일 제국의 예술-억압의 기록들' 이라는 전시회를 들 수 있다. 이 전시회에 이어, 메츠거 (Gustav Metzger)는 1976년 런던에서 나치 예술 심포지움을 개최하였다. 주요 나치예술가로 는 알베르트 스피어, 루드비히 트로스트, 이보 살리거, 파울 파두아, 오한네스 슐트, 베르너 파이너, 아돌프 치그러, 프리츠 얼러가 있고, 조각가 요세프 토락, 아르노 브레커 등이 있다. 문화적 무기로서 예술의 중요성을 이해한 나치 지도자들은 예술가들을 고무시몄으나 현대적 이고 급진적인 예술은 억압하였다. 표현주의 예술과 추상예술은 '타락한 유태인이자 볼셰비 키'로서 추방되었다. 나치 예술은 감수성(영혼, 동경, 미), 독일 병정의 영웅주의, 땅과 소작 인, 아리안 남녀의 거의 포르노에 가까운 나체를 찬양하고, 기념비적인 건축물과 초상화들로 히틀러의 권력과 권위를 확고하게 하였다. 조각과 건축에서는 신고전주의가 회화에서는 사 회적 리얼리즘의 형태를 띤 양식이 용인되었다. 호르매츠는 1930년대와 40년대 독일 예술에 서 나치 예술이 차지하는 비율은 적었고, 보수적이고 아카데믹한 예술이 대부분을 차지하고 있다고 지적했다. 그러나 이러한 보수적인 예술가들은 자신들의 예술을 통해 나치즘을 반대 하지도 않았고, 나치들이 현대적이고 급진적인 예술을 억압함으로써 오히려 혜택을 누렸다. 나치즘에 동의한 표현주의 예술가 놀테(Emile Nolde)가 나치에 의해 제작을 금지당했던 예 외적인 경우도 있다나혜석 (1896~1946) 1913년 동경여자 미술전문학교 입학 1921년 협전에 출품 1922년 선전에서 입선. 1928년 파리의 미술연구소에서 미술연구

 

나혜석 - 羅蕙錫 (1896~1949)

한국 최초의 여성 서양화가. 호 정월. 경기도수원에서 태어났다. 1918년 일본 도쿄 여자미술 학교 유화과를 졸업하고, 1920년 김우영과 결혼하였다. 조선 미술 전람회에서 제1회부터 제5회까지 입선하였고, 1921년 3월경성 일보사 건물 안의 내청각에서 개인전을열었는데, 한국의 여성 화가로서는 처음이라서 사회적으로 크게 주목을 받았다. 1926년부터 3년 동안 남편과 함께 세계 일주를 하고 귀국하던 중 파리에서 그린 〈정원화〉 가도쿄의 이과전에 입선되었다. 한편, 1918년〈경희〉 〈정순〉 등의 단편 소설을 발표하여 소설가로도 이름을 날렸다. 1929년 이혼하고 충남 공주의 마곡사에 들어가 수도 생활을 하였다. 그 밖의 작품으로는 〈누드〉가 있다.

 

낙선전(落選展) Salon des Refuses (불)

1863년 나폴레옹 3세가 관전(官展)이 편파적인 심사라는 여론에 따라 낙선한 그림을 살롱 앞에서 전람회를 개최함으로써 생긴 명칭. 이 낙선전에 출품된 마네의 '풀밭위의 점심' 등 종래의 도덕 관념을 타파한 시민적인 미술 작품들은 풍기상 많은 비난을 불러 일으켰고, 따 라서 황제도 낙선전을 다시 열려고 하지않아 단 1회로 끝나고 말았다. 그러나 마네는 종래의 전통적인 어두운 화면을 벗어난 선명한 색조를 추구하여 무명의 청년 화가들이 모이게 되었고, 그로부터 인상주의가 탄생되는 계기가 이루어지게 되었다. 또 이 낙선전은 관(官)의 심사에 의하지 않은 최초의 살롱으로서 오늘날의 앵데팡당전의 효시가 되었다 남관 (1911~1990) 1911년 경북 청송 출생 동경 태평양미술학교에서 수학. 동광회,국화회,문전 등에 출품 53년 도불,재불외국화가전, 현대국제조형예술전, 살롱 드메 등에 초대되면서 화가로서의 확고한 위치를 다짐. 66년 프랑스 망통 회화 비엔날레에서 1등상을 수상. 이후 유럽 각지에서의 개인전을 가짐. 68년에 귀국하여 황익대 교수로 있는 한편, 서울과 파리를 왕복하면서 왕성한 활동을 전개함. 81년 국립현대미술관에서의 회고전을 비롯 많은 초대전이 열림. 낙조 (1958) 캔버스에 유채 161*130cm 옛 형태 (1972) 캔버스에 유채 130*162cm 독백 (1967) 캔버스에 유화 122*50cm 묵상 (1978) 캔버스에 유채 162*130cm 잿빛속의 상 1981 캔버스에 유채157*269cm 낭만주의 본질적으로 형식적이며 객관적이었던 고전주의 예술이 더욱 형식화되고 전통화 되 면서 그 감성과 생기가 메마르게 된 것은 어쩔 수 없는 결과였다. 뿐만 아니라 당시의 시민 사회에서 싹트던 새로움에의 추구는 도식화된 신고전미술의 단아하고 싸늘한 형식과 이념만 으로는 만족하지 못했다. 결국 새로운 동향, 즉 낭만주의가 태동하게 되는데, 들라크와가 선두적인 역할을 한다. 낭만주의는 종래의 이성 만능 주의에 대항하여 인간적 감성과 자연에의 성실성이 전 시대와 는 다른 새로운 지도이념으로 등장하게 된 사실을 말해준다. 들라크와의 새로운 회화는 주 관적이며 개성적인 '자유로운 회화'의 가능성과 자연스러운 미의 추구를 보이고 있다. 그의 색채감각의 시적 표현과 대담한 기교, 소재의 참신성은 새로운 세대의 예술가들에게서 지지 와 추종을 받게 된다. 이들에서 영향을 받은 후대 화파 가운데서, 자연주의적인 태도의 사실주의파와 색채표현의 개성적 감각을 중요시하는 인상파가 태동하게 된다. 들라크와는 이로서 20세기의 기반이 되는 근대회화의 토대를 마련하게 된 것이다. 그리고 이때에 이르러서야 비로서, 전 세대의 화가들이 자연보다는 인간세계를 사랑하고, 개성보다 는 전통을 존중하였던 것에 반하여, 현실적이며 사실적인 자연탐구의 사조가 예술을 이끌게 된다. 개개의 특수성에 대한 관심이 낭만주의 시대의 특징인데, 이러한 낭만주의의 개성강조 의 성격은 유럽 각 민족과 역사, 풍토에 뿌리박은 지역미술이 발전하는데 계기가 되었다.

 

내용과 형식 content and form(영)

형식(形式)은 내용의 존재 방식이며, 대상의 표면 현상이다. 내용(內容)은 예술작품에 있어 서 그 안에 포함된 것, 또는 미적 대상의 정신적인 것이나 내적인 면에 의존하는 미적 가치 체계를 가리키는 것이다. 그러나 이들은 서로 분리할 수 없는 것이다. 극히 외면적인 예를 보아도 어떤 물체(금속이든, 목재든 )가 존재하는 데에는 일정한 형식을 취하지 않을 수 없다. 이때 금속 내지 목재는 형(形) 즉 형식에 대한 내용이다. 그러나 형식 과 내용은 이와 같은 단순히 외면적인 것으로서 서로 대립하는 듯이 보일 뿐이다. 모든 존재하는 제 요소나 그 이행의 과정을 통합하여 일정한 존재, 일정한 과정으로 만드는 것이 형식이며 그 안에 통합되어 있는 것이 내용이다. 따라서 어떠한 것도 형식과 내용이 없이는 존재할 수가 없다. 이들 양자는 사물을 인식하는 데에 불가결한 범주이며, 객관적으 로 사물에 갖춰져 있다. 이것을 분리하여 형식에만 주목하면 형식주의가 된다. 일정한 의의는 갖고 있지만, 사물의 전면적인 인식은 아니다. 형식과 내용의 불가분성이 사 물에 갖추어져 있다는 것을 승인하는 것이 유물론적 변증법의 이해이며, 여기에 변증법적 통일과 그것을 기초로 한 발전의 근거가 있는 것을 볼 수 있는데, 형식과 내용에는 서로 대 립되고 모순되는 성격이 있다. 형식은 고정적이고 비교적 변하지 않는 성격을 갖지만, 내용은 동적이고 이행하는 성격을 갖는다. 형식의 이러한 성격은 사물을 일정한 상태로 보존시키지만, 내용 그 자체가 그 형식 하에서 동적, 변이적인 성격을 발휘하여,그때까지의 내용을 통합하여 유지시키고 있던 형식 과 일치하지 않게 된다. 내용은 자기에 일치하는 형식을 요구한다. 이 모순의 진행 결과, 내용은 새로운 형식을 갖게 되며, 낡은 형식을 폐기시킨다. 이것에 의 해 사물은 종래와는 다른 것으로 변화한다. 그렇지만 낡고 폐기된 형식은 새로운 형식으로 대체되어도 일거에 되지 않기 때문에 역행 현상을 일으켜 재차 사물을 낡은 상태로 돌릴 수 도 있다. 그러나 일반적으로 발전한 내용에 합치하여 나타난 형식은 그 내용을 더욱 발전시키는 작용 을 하고 점차 강고한 것이 되어 간다. 이와 같이 형식과 내용은 상호 작용을 한다. 그러나 주도적인 것은 내용이다. 역사의 발전에 있어서 생산력(내용)과 생산관계(형식)의 변증법이 이것을 분명하게 보여주고 있다.

 

네오 지오 neo-geo(영)

1980년대 전반부터 뉴 페인팅 *이 구미에서 각광을 받았던 시기에 뉴욕의 이스트 빌리지 의 인터네셔널 위스 모뉴먼트 ,네이쳐 몰트, 제이 코니 모던아트, 캐쉬 뉴 하우스 화랑등 대안적인 공간에서 1983년 전후에 등장하기 시작한 새로운 예술경향 . 특히 제프쿤스 ,세리 레빈 ,R.M피셔 등을 다룬 피터 해리의 83년 논 문을 계기로 해서 논 의되기 시작했다.1984년,85 에 걸쳐 앞의 화랑등에서 비평가 드리셔 코린스, 리차드 마라 쇼에 의해 해리, 프래크너 ,쿤스 등의 작품을 포함하는 그룹전이 집중적으로 개최 되었다. 이것은 뉴 페인팅에 대한 직접적인 반동도 아니며 미니멀 아트 * 에대한 복권을 뜻하는 것도 아니다.그들은 '회화 공간' 자체의 문제를 부정하기보다는 예술에 있어서 동질적인 것 ,즉 '창조'와 '독창성'의 이름하에 상비되는 '생산'의 환상에 관심을 모은다.그들은 창조에 모방을 대치하고 '작가'이상으로 '체계'를 중요시한다.현재 네오 지오 혹은 시물레이션 아트 라고 불리는 경향 등을 논한 핼 포스터의 글이 <아트 인 아메리카>(86.6)에 실렸고 이 글 을 필두로 네오 지가 대두되었다고 보아야 할 것이다. 세리 레빈 [넓은 줄 무늬 NO.12] 1985.마호가니에 카제인 그림물감과밀랍.50.8*61cm

 

네온 조각(neon sculpture)

네온 사인과 형광 등을 이용한 작품. 1950년대와 1960년대에 주로 미국에서 시도되었던 일 련의 경향을 가리킨다. 이러한 경향은 다양한 상황, 즉 키네틱 아트, 팝 아트, 추상 구조물 등에서 이용되었다. 조명이라는 원리에 근거를 둔 네온과 형광은 가느다른 튜브에 의해 모 양이 갖춰지고, 여러 가지 색깔을 지닐 수 있었으며, 또 상업적으로 이용될 수도 있었다. 팝 아트에서 네온은 조지 시걸이나 로버트 인디애너와 같은 작가들에 의해 상업적 이미지로써, 환경적 효과를 내기 위해 이용되었다. 네온은 크리사에 의해 보다 조각적인 장르에 접근하 게 되었고, 또 현저한 발전을 보게 되었다. 크리사는 튜옥의 타임 수퀘어에 있는 상업적 광 고와 문자들에 관심을 가진 덕분에 새로운 아이디어를 얻어냈다. 그는 1962년부터 네온을 이용하여 단색·다색의 조명, 미묘한 빛의 연속, 플라스틱 유리속에서 반복되는 빛의 형태, 그리고 전기의 의해 이루어지는 여러 과정을 표현하였다. 보다 추상적이고 환경적인 효과는 댄 플래빈의 형광 배열에 나타나 있다. 그가 빛을 사영하기 시작한 것은 1962년부터였는데, 그는 상업적으로도 유용하게 쓰이는 형광튜브로 작업을 했다. 미국에 거주하는 네온 아티스 트로는 스티븐 안토나코스, 벤 번스, 빌리 애플 등이 있다

 

노수현 - 盧壽鉉 (1899~1978)

동양화가. 호 심산. 경기도 개성에서 태어났다. 1914년 서화 미술회 동양학과를 졸업한뒤 그림 공부를 하다, 1917년 안중식의 제자가 되어 그림 공부를 하였다. 1921년 동아일보사에 입사하였다가 1923년 조선 일보사로 옮겼고, 1926년 조선 미전에, 1929 년 조선박람회에 입선하여 금패를 받았다. 1949년서울 대학교 미술 대학 교수가 되었고, 1962년 서울 대학교 미술 대학 명예 교수, 예 술원 회원이 되었으며, 1974년 회고전을 열었다. 주요 작품으로는 〈고금 영서〉 〈영춘〉 등이 있다.

 

논커미션드 포스터(non- commissioned poster)

주문에 의하지 않고 그리는 형식의 포스터를 말한다. 프랑스의 사비냑이 제2차 세계대전 직 후인 1950년에 파리에서 이러한 명칭의 전시회를 연 다음부터 유행하게 되었다. 사비냑은 이런 식으로 포스터를 제작함으로써 작가가 포스터 디자인에 자유로운 아이디어를 낼 수 있 다는 하나의 가능성을 제시하여 주목을 받았다.

 

놀데(Emil Nolde)-(1867~1956)

독일의 화가이자 판화가. 물감의 두터운 마티에르로 음울한 느낌을 주는 인물을 주로 그렸 다. 놀데는 독일 표현주의의 중요한 작가로 자리 매김하고 있다. 그는 젊은 시절 목각공예를 습득하고, 한때 베를린에서 가구와 장식미술가로 일한 경력을 가지고 있었다. 그는 1906년에 다리파에 가입해 그 다음해 탈퇴하여 자신만의 독자적인 길을 나아간다. 물 감을 두껍게 칠하여 부조화스러운 강력한 색대비를 만드는 채색법을 사용하며 종교화를 부 흥하고자 하는 시도를 한다. 브뤼케 그룹 시절 얻은 목판화의 제작 방법은 그림에까지도 감정표현, 그것도 현실 사회를 넘어선 종교적 감정표현으로 이색적인 종교적 표현주의 회화를 구현해 나갔다. 몹시 투박한 자세와 단순화된 묘사를 좁은 공간에 밀집하여 놓여져 있는 인물들은 농민들의 순박하고 열 정적인 믿음을 전달해준다. 에밀놀데는 저서'원시인의 예술적 표현' 에서 원시작품들의 절대적인 원초성. 가장 단순한 형식으로 환원하는 삶과 힘에 대한 강렬한 때로는 그로테스크한 표현을 적고 있다. 이처럼 인간정서에 근본이 되는 원초적이며 순수한 표현이 바로 놀데가 추구하는 것이다. 놀데의 작품에서 가장 많이 알려진 것은 1909년부터 제작되기 시작한 약 20여점이 넘는 종 교적인 주제의 작품이다. 그의 종교화는 전통적인 기독교 도상을 과감히 탈피해, 표현주의자 다운 화면을 구성하게 된다. 그는 사실적이면서도 무게 있는 그림으로 앙소르, 루오, 고갱과 더불어 현대회화사에서 손꼽 히는 종교화가로 불리우게 된다. 1909년에 그린 [오순절]에서 그는 그리스도를 한 북부 독일 의 건장한 농민과 같은 모습으로 재현하고 있다. 그를 둘러싼 사람들도 신앙의 깊은 체험을 함께 나누며 그 자리를 메우고 있다. 또한 사람들의 눈은 크고 선명히 그려지고 있다. 서구미술에서 전통적으로 눈은 마음과 정신의 상징으로서 정신성을 강조할 때는 눈을 크게 그리는데, 이 방식이 여기에서도 나타나고 있음을 볼 수 있다. 놀데를 1913년에서 다음해에 걸쳐 오세아니아의 여러 섬을 순례하면서 원시 토속문화를 직 접 체험하게 된다. 1914년의 [무희 그림이 있는 정물]에 나오는 무희는 그 여행 때에 어디선가 원주민의 춤을 보고, 급하게 화구 상자에 스케치했던 것을 뒤에 다른 정물과 조화시키면서 다시 작품화한 것이다. 흡사 정신이상자로까지 보이는 이 열광적인 여인들은 붉은 머리와 반라의 옷차림에서 더욱 생생한 운동감이 느껴진다. 1915년부터 어두운 색조로 바다, 육지, 구름, 광막한 풍경등을 주로 그린다. 주요 작품 : 최후의 만찬, 이른 아침의 비행, 목판화인 예언자 등

 

농민회화(農民繪畵) peasant painting(영)

1966년 중국의 문화 혁명 이후 농민들이 여가 시간을 이용하여 그린 그림. 중국의 사회적. 기술적 진보를 묘사하고, 농사일. 건설 작업. 정치 집회. 마을 재건 및 일상사를 묘사한 작품 들이 많다. 훈련받지 못한 농민화 라는 관점에서 볼 때 기술적으로 비교적 숙달되어 있고, 양식적 통일성을 지니고 있다. 이를테면, 밝고 평면적이며 상징적인 색채들, 정확한 윤곽선으로 그려진 힘 있는 드로잉, 전 면의 균일한 장식적 효과, 중심이 없는 구성 등이 그러하다. 회화는 서구의 만화책 방식의 예술과 전통적인 중국화를 잘 혼합하고 있는데, 일반적으로 사회주의적 사실주의의 상투적 인 표현을 피하고 있다. 중국에서의 예술은 계급 투쟁의 이념적 무기로 간주된다. 따라서 농민화는 그 호소력이 매 우 대중적이다. 농민화는 재능있는 개인의 사적인 생각이나 관심을 표현하지 않는다. 대부분 이 퇴폐적이고 자기도취적이며, 허무적이고 성 강박관념에 사로잡혀 있는 서구의 전위예술 과 달리, 중국 예술은 자부심, 확신, 낙관주의로 빛난다. 서구 예술이 자본주의의 기쁨을 찬양하는 선전이듯 중국 미술도 공산주의의 즐거움을 찬양 하는 것이다. 1975년 제9회 파리 비엔날레에서 중국화 전시가 있었다. 비엔날레 관전평에서 브룩스가 설명하였듯이 덩 샤오핑(鄧小平)의 예술과 정치에 관한 요구와, 내용과 형식의 통 합에 관한 요구는 농민 회화의 사실주의 양식에서 성취되었다. 이러한 사실주의는 현실을 순수하게 외연적으로 언급하기 위해 수사학과 함축성을 없애 버 리는 사실주의의 서구적 변형이 아니라, 수사학적 태도를 받아들이고 리얼리티로서 사회적 관련성을 내포하고 있는 사실주의인 것이다. 예를 들어, 색채는 사회적. 상징적. 장식적 기능 을 동시에 담당하나 결코 색채만을 위해 분리되지는 않으며, 항상 이념적인 목적에 종속된 다

 

뉴 바우하우스(The New Bauhaus)

1937년 10월 모흘리 나기가 시카고에서 업계의 원조를 받아 창립한 미술 교육 기관. 하버드 대학 건축과 교수였던 발터 글피우스를 고문으로 해서 발족했다. 처음에는 'The New Bauhaus', 또는 'American School of Design' 이라고 칭했으나 후에 'The Institute of Design'이라고 고쳤다. 1948년 모흘리 나기가 작고한 후, S.체르마이에프가 뒤를 이었다. 1952년에는 일리노이 공과 대학에 병합되어 오늘에 이르고 있다. 그 이념은 근본적으로 독 일 시대의 바우하우스와 변함이 없으나, 새로운 시대와 미국의 실정에 합치되는 방향으로 나아간 것이 특징이다. 기초 과정 18개월을 거쳐 프로덕트 디자인 부문과 커뮤니케이션 디 자인 부문의 두 개로 나뉘어져 있으며 수업 연한은 4년이다.

 

뉴 이미지 아트(New Image Art)

1978년 12월 뉴욕 휘트니 미국 예술 박물관에서 '뉴 이미지 페인팅' 이라는 제목의 전시회 가 있었다. 그들의 작품은 인지할 수는 있으나 매우 특이한 이미지들이 대부분 비전통적이 고 비설명적인 화면으로 표현되고 있다는 공통점을 지니고 있었다. 더욱이 그들은 미니멀리 즘의 형식적 단순함과 규칙적인 것에 대한 애호, 정서적인 억제가 존중되던 때에 과정과 퍼 포먼스적인 요소들, 서술적이고 다다적인 것, 사회 심리학적인 문제들 및 때로는 언어적인 표현 수단조차 포함시킴으로써 개념 미술에 뿌리를 두고 있음을 보여주었다. 또한 뉴 이미 지 예술가들은 내용과 형태가 불균형을 이루는 작품을 제작하였는데 이는 대부분의 회화가 그렇듯, 내용이 의미상 분명하거나 틀이하다기 보다는 좀더 생각의 여지가 있음을 의미한다. 뉴 이미지 아트의 창시자는 거스톤(Philip Guston)이다. 그는 1970년 모네의 후기 <수련화> 를 연상시키는 추상표현주의를 포기하고 '배드 페인팅(Bad Painting)'으로 전환하였다.뉴 이 미지스트들로는 니콜라스 아프리칸즈, 제니퍼 발레트, 조나단 보로프스키, 수잔 로센버그, 도 날드 술탄, 로버트 모스코위츠, 조 주커, 조각가 조엘 사피로, 배니 플라나갠 등이 있다. 이 들의 화풍은 추상 표현주의와 그 이후의 혼란스러운 작용과 반작용의 다양한 결과로부터 나 온 것이다. 즉 이들은 선별, 고립, 단순화, 결합 혹은 제시 따위의 매우 개별화된 과정을 통 하여 새롭게 활기를 부여한 형상을 선택함으로써 자신들을 구별시키고 있다. 뉴 이미지 아 트의 독창성은 양식에 있는 것이 아니라, 가까운 과거로부터 차용한 것을 결합하고 혼합하 는 특이한 가법과 이념에 있다.

 

뉴 일루저니즘(New Illusionism)

눈속임 그림이나 착각을 불러일으키는 회화 및 조각류를 다시 채택한 주의. 새로운 재현 작 품. 모더니즘이 현실 세계를 이지적 성실성과 단순함으로 표현하고 있는데 비해 착각을 불 러일으키는 사실주의는 실제와 같은 회화와 조각을 통해 현실 세계를 반영함으로써 관객을 기만하고 있으므로, 순수한 의미에서 위조, 혹은 술수라고 할 수 있다. 개념주의자들이 퍼포 먼스, 과정미술, 대지 예술, 혹은 뒤샹적인 낱말 유희를 위해 화실에서의 제작과 오브제 제 작을 포기하고 있을 즈음에, 뉴일루저니즘 작가들은 미니멀리즘의 주도권에 반발하였다. 예 술 비펴으이 입장에서 볼 때 이는 개념주의자들의 성상 파괴적 전략 이상의 , 보다 더 충격 적인 함축성을 지닌 반혁명적 발전이었다. 새로운 극 사실주의 예술은 대중적 호소력을 지 니면서 화상과 소장가들을 매료시켰다. 사진과 같이 사실적인 이젤화와 실물과 같은 조각은 그러한 성격의 모방 예술에 굶주려 있던 사람들에게 새로운 활기를 가져다 주었자. 그러나 새로운 재현 작품은 1960년대 말과 1970년대 초의 매우 정확한 가시적 세계의 일대일 대응 묘사보다 성숙된 모더니즘과 훨씬 더 가깝게 연결되어 있다. 사진은 모더니즘의 여명기에 탄생하여 삼차원세계로부터 파생된 가시적 명료성을 평면적으 로 해결하려는 수공 예술 과정에 대한 게계적 대응물로 현대 회화와 함꼐 발전하였다. 화가 들은 새로운 기술을 통해 현실 세계를 좀더 사실적으로 묘사하고, 전혀 새로운 방법으로 세 계를 보는 방법을 배웠다. 그리고 추상적 특질을 가진 단안적 시각, 단일한 초점으로 전영역 을 투사하는 것 등, 그러한 방법으로 미리 설정된 인지 세계의 이차원적 복제를 모더니즘과 결합시켜, 현실세계를 평면적으로 묘사하였다. 사실주의는 서구 예술에서 항상 기본적인 표현형태였다. 사실주의의 표현 언어는 너무나 다 재다능하고 탄력이 있어서, 15세기플랑드르 화파의 범신론에서부터 1930년대 사회적 참여주 의에 이르기까지 그 특유의 감각을 발휘하고 있다. 마티스나 피카소와 같은 탁월한 모더니 스트들조차도 과거와의 끈을 완전히 단절시키지는 않았으며, 가장 진취적이고 본질추구적인 작품에서도 항상 구상의 흔적을 유지했다. 가시적 실재 세계에 충실한 예술가로는 영국의 프로이드(Lucian Freud), 이스라엘의 아키하라(Avigor Arkiha), 미국의 앨리스 니일(Alice Neel), 웨이스(Andrew Wyeth) 등이 있다.

 

뉴 페인팅(New Painting)

1980년대에 들어와서 대두되기 시작한 새로운 조류의 회화. 거대한 캔버스에 거친 필치, 원 색을 사용한 격렬한 색의 대비에 의해 그려지는 폭력·죽음·성·꿈·신화 등의 도상을 갖 는 이미지의 무리들은 그때까지 그림자를 드리우고 있었던 희묘적인 회화, 그러면서도 세속 성과 무관하지는 않았던 회화의 봇물을 터트리는 것처럼, 한때 세계에 만연했던 느낌이 있 었다. 금욕적이며 관념적인 미술의 계승을 특징으로 하는 70년대 미술과 지나치게 대조되었 던 까닭에 한편에서는 새시대의 도래라고 흥분하고 다른 한편에서는 회화 발전의 역사로부 터 이탈한 일시적인 현상이라고 보는 경향도 있었다. 실상 공시적으로 각국에서 발생했던 이 현사은 신천지를 열어가는 운동으로서 이론적이고 구축적인 공격의 방행이 없는 상태에 서 어떤 종류의 위기감에 뿌리를 두었다. 그러한 감각적인 세계관의 표명은 금세기 초 독일 표현주의에 비교될 수 있는 것이며 결과적으로는 오늘날에 있어서 표현주의 계보의 재평가 를 촉진시켰다. 근자에 이르러 신표현주의라는 명칭이 점차 정착되고 있는 이 새로운 회화의 물결은 '어 뉴 스피릿트 인 페인팅(82년 런던)', '바로크 81(81년 파리)', '슈나벨 전(82년 베를린)', '아방가 르디아·트랜스 아방가르디아 68∼77(82년 로마)', '차이트가이스트(82년 베를린)', '미니멀 리즘에서부터 표현주의에로(83년 베를린)' 등의 전람회에 의해 주목을 받았다. 관련 작가는 미국의 수나벨, 사례, 보로프스키, 독일의페팅, 미텐돌프, 살로메, 바셀리츠, 뤼페르츠,폴케, 이탈리아의키아, 쿠치, 클레멘테, 파라디노 등을 들 수 있다. 각 나라의 개별성은 있다고 하더라도 공통되는 것도 있다. 그것은 텔리비전·영화·사진· 잡지 등 팽창일로에 있는 시각적 일상성을 통해서 명확한 실체를 좀처럼 찾기가 어려워진 현대인의 실존주의적인 세계관에 대한 회의이다.

 

뉴욕 파 New York School (영)

뉴욕의 화가를 총칭. 추상표현주의, 추상 인상주의, 액션 페인팅 등의 명칭 아래 여러 가지 그룹을 형성했던 광범위하고 포괄적인 화파를 일컫는 말. 따라서 이 화파는 독자적인 스타 일을 견지하며 강렬하고 개혁적인 개성적 표현을 그들의 특징으로 한다. 이 화파의 미술가들은 뉴욕이라는 도시 환경을 공통적으로 소유하고, 의견을 교환하고, 과거 의 전통을 거부하면서 결국 광범위한 국제적 영향력을 지니게 되었으며, 강렬하고 본원적인 미국 전위 회화를 창조함으로써 결합되었다. 뉴욕 파의 운동은 1940년대 초에 시작되었으며 한스 호프만 미술학교 설립과 폐기 구겐하임이 조직한 전위 유럽 미술 전람회, 미국의 초현 실주의 도입 등을 포함하는 일련의 사건들에 의해 고무되었다. 초현실주의의 도입은 전람회를 통해서 또는 제2차 세계대전 중 많은 유럽 화가들이 이주해 옴으로써 이루어지게 되었다. 뉴욕 파에 특별히 영향을 준 초현실주의의 작가는 에른스트, 미로, 마송, 마타 등인데 그들의 작품은 뉴욕 화가들에게 자동기술법의 이른바 무의식적인 자발성과 우연에 의존하는 방법을 불어넣어 주었다. 동시에 다른 유럽 미술가들-특히 입체 파 화가 칸딘스키- 에게도 영향을 주었다. 하지만 뉴욕 미술가들은 이 모든 화풍을 소화하 여 강력하고 개성적인 표현으로 변형시켰다. 뉴욕 파는 대충 두 개의 그룹으로 나누어진다. 폴록, 드 쿠닝, 클라인과 같은 소위 액션 페 인터들은 주로 몸짓의 효과와 붓 또는 페인트의 질에 관심을 기울였고, 로드코, 머더웰, 라 인하트, 스틸 등은 색면(色面)과 소리없는 암시에 더 많은 관심을 보였다. 이 화가들은 대체 로 구상적인 이미지를 거부하고, 커다란 캔버스를 가지고 작업을 했다. 그들은 작품의 본질 적인 국면으로서 그림 자체에 행동을 표현함으로써 서로 의 관심사를 나누어 가졌다. 기타 뉴욕 파에 포함되는 미술가로는 아실 고르키, 필립 거스튼, 브레들리 워커톰린, 윌리엄 베지오티즈, 애돌프 고틀리브, 바넷 뉴먼 등이 있다. 1950년대 뉴욕 파의 두 번째 세대들이 나타났으나 새로운 작품의 대부분은 파생적인 것에 불과했고, 1950년대 말부터는 이 운동도 쇠잔해갔다. 아무튼 뉴욕 파의 형성으로 종래 유럽 근대 미술의 지방적인 아류의 영역을 벗 어나지 못했던 미국 미술은 플록의 액션 페인팅 아래 급속히 세계의 이목을 끌게 되었다. 플록 [서부로 가는길] 1934-35 39*52.5cm

 

니치(nichie)

벽감. 서양 건축에서 장식을 목적으로 벽면을 부분적으로 모옥하게 파서 만든 감상의 장치. 조각품, 꽃병 등을 놓아 장식하며 종교 건축에서는 신앙의 대상을 안치하기도 한다.